Les témoins oculistes. The sense of sight in art

Con Les témoins oculistes il Museum Tinguely prosegue la sua serie dedicata ai sensi umani, avviata nel 2015 con l'obiettivo di riscoprire e interrogare criticamente la nostra percezione dell'arte e il modo in cui essa plasma il nostro sguardo sulla vita quotidiana, sulla natura e sull'ambiente. Quinta tappa della serie, la mostra è incentrata sul senso della vista e offre ai visitatori una selezione di opere in diversi media, dall'inizio del Novecento a oggi. Su oltre 850 m² sono esposte circa cento opere che ci mettono inevitabilmente di fronte ai presupposti del nostro senso della vista: l'interazione tra luce, buio, colore, movimento e spazio. La mostra offre numerosi spunti storico-artistici e incontri interattivi con la percezione visiva.

Le opere e il programma interdisciplinare di eventi collaterali invitano il pubblico a confrontarsi in profondità con il proprio senso della vista – con la sua complessità e con la sua interazione, spesso trascurata, con gli altri sensi.

"Spesso si dà per scontato che il vedere sia qualcosa di oggettivo – ma è molto più di una visione non filtrata del mondo. Come si forma la nostra percezione e che cosa determina dove rivolgiamo lo sguardo?"

Da secoli gli artisti sperimentano diverse tecniche e apparecchiature ottiche, realizzando opere che mettono in discussione i meccanismi fisiologici e i molteplici fattori culturali e soggettivi che plasmano la nostra esperienza visiva dell'ambiente circostante e la sua rappresentazione nell'arte.

La mostra riunisce opere in cui artisti internazionali sperimentano nuove prospettive e spostano ordini visivi familiari, offrendo nuove esperienze delle condizioni del vedere, della nostra percezione della realtà e della sua rappresentazione nell'arte. Ricorrendo a strumenti ottici ed effetti visivi come distorsioni, specchiature, inversioni, abbagliamenti o vibrazioni tremolanti, destabilizzano le nostre abitudini visive. Inquietando e mettendo alla prova le nostre percezioni, ci conducono ai limiti della visione e ci permettono di sperimentare l'occhio come uno strumento fallibile e manipolabile.

Il titolo e la critica della visione

Il titolo della mostra è preso in prestito da Les témoins oculistes di Marcel Duchamp. Questo dettaglio si trova sul bordo inferiore destro del suo capolavoro La Mariée mise à nu par ses Célibataires, même (Le Grand Verre, 1915–1923) ed è stato realizzato come edizione nell'ambito della ricostruzione del Grand Verre da parte dell'artista britannico Richard Hamilton, in stretta collaborazione con Duchamp, tra il 1965 e il 1966. Sul motivo di Les témoins oculistes, Duchamp stesso osservò: "È vero che questa parte ha qualcosa a che fare con l'occhio. Ho pensato ai testimoni oculisti come rappresentazione dei tre strati dell'occhio. Ma l'occhio non è un organo completo; è patetico voler costruire l'arte su di esso. Come gli altri sensi, la vista percepisce solo ciò che è adatto o comprensibile all'occhio – o all'orecchio o al tatto, ecc. Ciò per cui non abbiamo un senso, nella realtà ci sfugge. Se si potesse immaginare che i nostri organi di senso fossero completamente diversi, allora anche la realtà sarebbe diversa." (Duchamp in conversazione con Ulf Linde, 1961).

Una critica della visione era particolarmente viva nei movimenti d'avanguardia del primo Novecento, e l'occhio comparve come leitmotiv simbolico nel Surrealismo. Il taglio di una pupilla di Luis Buñuel nel film Un chien andalou (1929) può essere inteso come un attacco paradigmatico all'occhio: un annientamento del senso della vista nella precedente concezione di un imperativo mimetico in poesia e in pittura. Le generazioni successive di artisti degli anni Sessanta e Settanta – in particolare quelli legati al Nouveau Réalisme, tra i cui membri fondatori figurava Daniel Spoerri – ripresero questo tema, proclamando un nuovo modo di guardare gli oggetti quotidiani. La collezione di occhiali di Spoerri L'optique moderne (1961–62) è un invito a riflettere criticamente sui paradossi del vedere nell'epoca moderna. Accanto a quelli che mettono a fuoco la vista, vi sono diverse paia di occhiali manipolati che smaterializzano la visione della realtà di chi li indossa, rendendola sfocata o del tutto invisibile.

La luce e il movimento

Il vedere avviene quando la luce riflessa o emessa dagli oggetti entra nell'occhio, dove la retina la converte in segnali nervosi che il cervello interpreta poi come immagine visiva. La percezione visiva è fortemente soggettiva e dipende in larga misura dall'interpretazione che il cervello dà di questi segnali. All'inizio del percorso espositivo l'attenzione si concentra sul ruolo e sulla funzione centrali della luce nella percezione di ciò che ci circonda. L'artista concettuale e installativa coreana Kimsooja ha realizzato il suo progetto in corso To Breathe sulle grandi vetrate del museo affacciate sul Reno: sui vetri applica pellicole trasparenti rifrangenti che scompongono la luce (bianca) del giorno in uno spettro prismatico. A seconda dell'intensità della luce e del suo angolo di incidenza (condizioni meteorologiche, ora del giorno), compare una sottile struttura ad arcobaleno, anche sul pavimento in legno. L'arcobaleno può apparire all'improvviso e svanire altrettanto rapidamente. To Breathe si concentra sull'essenza fondamentale della luce, sulla finestra come membrana di collegamento tra interno ed esterno e sul vuoto dello spazio.

La luce del sole è al centro anche della serie Sun (2011–12) di Zoe Leonard. Fotografando direttamente il sole, l'artista spinge al limite ciò che una macchina fotografica è tecnicamente in grado di registrare. La luce, origine della fotografia che rende visibili le immagini, viene catturata nella sua qualità abbagliante, bianca, quasi inafferrabile, diventando essa stessa un motivo. Diametralmente opposto a questo controluce accecante è il buio quasi totale in cui i visitatori vengono immersi nella sala con tre opere della serie Nightscape Lightbox (2003) di David Claerbout. Con un gesto incisivo, l'artista richiama l'attenzione del visitatore sul proprio processo visivo. Solo quando la retina si abitua gradualmente all'oscurità diventa chiaro ciò che mostrano i tre lightbox debolmente illuminati: una scena notturna di un ciglio di strada deserto costeggiato da vegetazione. Come nello sviluppo di una fotografia in camera oscura, l'immagine finita si rivela solo attraverso l'elemento del tempo. La dimensione temporale dei cambiamenti della luce che diventano visibili – dall'alba al tramonto e dal tramonto all'alba – è anche il tema del video in time-lapse 24h in My Garden (For Eunice, 2026), realizzato per la mostra da Esther Mathis.

"In Les témoins oculistes il vedere si dispiega come esperienza sensoriale, spaziale e fisica." I dipinti e l'installazione percorribile Continuum (1963/2005) di Bridget Riley giocano con i poli del vedere e del sentire, dell'occhio e del corpo. Dopo averli osservati per un po', le superfici dei quadri cominciano a tremolare come uno stroboscopio, oppure le strutture geometriche della composizione iniziano a muoversi, generando una sensazione di intensa pulsazione o vibrazione. Nel lavoro di Alfons Schilling la visione viene messa in movimento: attraverso la fotografia lenticolare e i prismi, l'artista crea motivi cangianti ed effetti dinamici di spazio e profondità che mettono giocosamente in discussione l'affidabilità della visione umana. Mentre i Seh-/Seestücken di Markus Raetz pongono in primo piano il processo del vedere e la sua pratica artistica dell'osservazione, i cinque dipinti della serie Strahlen Sehen (2006–2007) di Sigmar Polke utilizzano motivi ottici storici e tecniche di immagine lenticolare per generare un gioco percettivo in cui l'immagine cambia a ogni variazione dell'angolo di osservazione.

Il non vedere

Il contrario del vedere è il non vedere e la cecità, dove la luce e la luminosità si contrappongono all'oscurità e al nero. Ai margini della nostra capacità percettiva emergono esperienze interessanti e intense. In questi ambiti l'apparizione e il manifestarsi delle immagini si sovrappongono alla loro scomparsa nel buio e nel nulla, conducendoci su un terreno incerto. Oscar Muñoz, Sophie Calle e Barbara Bloom richiamano la nostra attenzione su processi finora inconsci o inosservati nel nostro modo di vedere il mondo, compresa la dimensione politica o sociale, spesso nascosta, dell'invisibile e del trascurato.

Con Aliento (Respiro, 1995–2026), Muñoz presenta la percezione come atto fisico: l'opera si presenta inizialmente come una dozzina di semplici specchi metallici, che solo quando i visitatori vi alitano sopra rivelano ritratti nascosti tratti da necrologi colombiani. Per un fugace istante l'immagine di una persona defunta si sovrappone al volto riflesso dell'osservatore – una toccante riflessione sulla fragilità della memoria, della visibilità e dell'inevitabile scomparsa. Che cos'è la bellezza se non si è mai potuto vedere?

Nella serie Les Aveugles (1986), Sophie Calle chiede a persone nate cieche quale sia la loro idea di bellezza, mentre per la serie La Dernière Image (2010) parla con persone che hanno perso la vista del loro ultimo ricordo visivo. Entrambe le serie combinano i ritratti degli interlocutori e le loro risposte con fotografie in cui Calle si avvicina alle storie raccontate. Ma tali idee e ricordi non possono mai essere riprodotti del tutto. Tra linguaggio e visibilità resta uno scarto, occupato dalle immagini interiori del lettore: in questo senso, la percezione è più del vedere. Lo dimostra anche la serie in sette parti Works for the Blind (1987) di Barbara Bloom, in cui l'artista combina la scrittura Braille con elementi visivi e testuali, mettendo in luce il dilemma visivo per cui, in un modo o nell'altro, siamo tutti ipovedenti.

Rovesciare i propri occhi (1970) di Giuseppe Penone inverte il rapporto tra vedere ed essere visti: lenti a contatto specchianti accecano l'artista e al tempo stesso riflettono ciò che lo circonda. In questo modo l'opera gioca con l'idea tradizionale degli occhi come finestra sul mondo esterno e specchio dell'anima. Infine, l'installazione immersiva We Close our Eyes and See a Flock of Birds (2013) di Ivana Franke rivolge lo sguardo verso l'interno: dietro le palpebre chiuse, una luce pulsante genera immagini del tutto individuali – da cerchi e spirali a scene oniriche, stormi di uccelli in volo e folle di persone di passaggio. Who is afraid (2004) di Olafur Eliasson, il cui titolo rimanda alla monumentale serie di dipinti di Barnett Newman Who's Afraid of Red, Yellow and Blue (1966–1970), traduce i principi della teoria del colore in un gioco cinetico di luce presentato come dispositivo sperimentale. Ne risulta uno spazio ottico in continuo mutamento che ci permette, in quanto testimoni oculari, di sperimentare in prima persona la fisica della visione.

Nella sua serie di mostre sui sensi umani, il Museum Tinguely si serve dell'arte per favorire un "nuovo vedere" al di là del sovraccarico retinico e a palpebre chiuse. Solo quando vediamo con tutti i nostri sensi accediamo all'intera gamma dei mondi percettivi nell'arte e nella vita.

Pubblicazione e artisti

A dicembre Hatje Cantz pubblicherà un catalogo di accompagnamento alla mostra, con una selezione di contributi del simposio interdisciplinare À bruit secret/Les témoins oculistes e testi provenienti dalla storia dell'arte, dagli studi culturali, dall'antropologia, dalla storia, dalle neuroscienze, dalla psicologia, dalla biologia e dall'ecologia. I saggi affrontano la ricerca sui sensi dell'udito e della vista, riunendo prospettive affascinanti sull'interfaccia tra arte e scienza. Edizione inglese: À bruit secret. Hearing in Art. Les témoins oculistes. The Sense of Sight in Art (ISBN 978-3-7757-6453-7).

Artisti in mostra: Sophie Calle, David Claerbout, Barbara Bloom, Dadamaino, Tacita Dean, Marcel Duchamp, Leandro Erlich, Olafur Eliasson, Sonja Feldmeier, Ivana Franke, Richard Hamilton, Kimsooja, Lang/Baumann, Zoe Leonard, Ann Veronica Janssens, Anna Maria Maiolino, Esther Mathis, Alexandra Meyer, Oscar Muñoz, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Sigmar Polke, Markus Raetz, Bridget Riley, Alfons Schilling, Daniel Spoerri, Rémy Zaugg Mostre precedenti dedicate alla percezione sensoriale nell'arte: Belle Haleine. L'odore dell'arte (2015), Prière de toucher. Il tatto dell'arte (2016), Amuse-bouche. Il gusto dell'arte (2020) e À bruit secret. L'udito nell'arte (2023).

Curatrice della mostra: Annja Müller-Alsbach