Der Blitz

Il nuovo progetto dedicato al contemporaneo del MAG Museo Alto Garda, realizzato in collaborazione con il Mart Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto 
Prosegue la collaborazione instaurata nel 2013 dal MAG Museo Alto Garda con il Mart Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto. 
Il mese di giugno vedrà concretizzarsi l’avvio di un nuovo percorso dedicato al contemporaneo, che coinvolgerà la sede arcense del MAG, ovvero la Galleria Civica G. Segantini. 
La Galleria Civica G. Segantini di Arco diventerà di fatto il luogo di espressione della piattaforma multidisciplinare Der Blitz. 
Frutto di un tavolo di lavoro che coinvolge personale del MAG e del Mart, curatori indipendenti e selezionati freelance attivi sul territorio, Der Blitz intende attivare nell’Alto Garda percorsi di riflessione, studio e ricerca, che attraverso l’utilizzo dei linguaggi del contemporaneo siano capaci di indagare le specificità di quest’area. 

Der Blitz. Ricerca, azione e cultura contemporanea 
Arco | Galleria Civica G. Segantini 
A cura di Veronica Caciolli, Denis Isaia, Federico Mazzonelli 
In collaborazione con Mart Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto 

Der Blitz è un approccio critico al contemporaneo, che permette al MAG Museo Alto Garda di creare un ponte tra il suo patrimonio artistico-culturale e la ricerca di nuovi criteri interpretativi. Attraverso i linguaggi e le modalità del contemporaneo, Der Blitz attinge da materiali, opere e suggestioni provenienti dalle collezioni dei musei MAG e Mart, al fine di disegnare un nuovo dialogo tra l’esistente e l’indagine artistica e concettuale dell’oggi, in un confronto reciproco e costante. 
Con fare antropologico, Der Blitz si muove in maniera indifferenziata fra documenti, opere d'arte e nuovi desideri. Il suo obiettivo è superare alcune delle dicotomie che hanno segnato il secolo passato e in parte tengono in ostaggio il presente: cultura e natura; laicità e religione; virtuale e reale; contemporaneità e classicità; tecnologia e tradizione; crescita e decrescita; teoria e pratica. 
Der Blitz ritiene che l'attualità richieda un approccio più ampio, in grado di mettere criticamente a contatto differenti aree dell'agire umano. Per provare a esplorare queste frontiere sociali, psicologiche e culturali, Der Blitz ha scelto di partire dalla ricerca artistica e includere progressivamente altri campi. In una oscillazione che si augura continua fra l'empirismo dell'azione e la necessità della riflessione, Der Blitz prova a far convivere lo svago, l'approfondimento e la sperimentazione estetica. 
Per la stagione 2013 il programma di Der Blitz prevede due mostre, una residenza d'artista e un ciclo di conferenze. Il fil rouge che collega ogni passo di Der Blitz è permeato dal tema del paesaggio, indagato attraverso gli strumenti dell’arte e le teorie e le pratiche della contemporaneità. 

Der Blitz. Il/Naturale 
23 giugno - 15 settembre 2013 

Il concetto di luogo, non pensabile se non in relazione all’essere umano, e il rapporto tra memoria e presente sono i temi portanti della mostra Il/Naturale che inaugura il ciclo di progetti di Der Blitz. In questa mostra una selezione di opere del Settecento-Ottocento e del primo Novecento di Giuseppe Canella, Peter Anich-Blasius Hueber e Umberto Moggioli provenienti dalle collezioni del MAG e del Mart, accomunate dal soggetto del paesaggio trentino, sono messe in dialogo con le opere degli artisti invitati a partecipare al progetto Luca Bertolo, Roberto De Pol, Giovanni Ozzola e il collettivo Casali+Roubini. L’obiettivo della mostra è indagare la controversa relazione fra uomo e territorio e mobilitare i sensi del visitatore al fine di avviare un primo dialogo sui sentimenti, i reperti e le scenografie che rappresentano e definiscono il territorio contemporaneo. 
Il progetto assume come punto di avvio la credenza, specificatamente moderna, della separazione fra cultura e natura. Da questa separazione – intesa qui come un atto fondativo che si è dipanato nella storia e ha trovato nel pensiero moderno il suo migliore corpo – hanno origine alcune delle relazioni più comuni che oggi si intrattengono con il territorio: l'incanto estetico (la scoperta del paesaggio, l'immaginario naturalistico), la secolarizzazione della natura (il governo della materia, le tecnologie), il governo dello spazio (la misurazione, le carte, la tecnica), la tentazione cosmologica (nuovo spiritualismo, ecosofie). 
Il risultato conclamato e a noi presente di questo complesso processo fatto di diversi strati è una sorta di “iper-territorio” o “territorio-aumentato”: una sovrapposizione di tecniche, biologie e scenografie che definiscono “il rilievo” del nostro presente. 
Il progetto consiste in un tentativo di disegnare tale “rilievo” attraverso un percorso espositivo, avvalendosi dell'incrocio fra documenti storici e dipinti provenienti dalle collezioni del MAG e del Mart e opere di artisti contemporanei. 
Dal punto di vista strettamente espositivo, Il/Naturale prende le mosse da un confronto fra artisti afferenti a diverse epoche e dalla relativa esigenza di valorizzazione continua del patrimonio artistico del MAG e del Mart. A partire da questi presupposti costruisce un discorso che prova ad abbattere le differenze di stile, tecnica, visione fra artisti di secoli diversi. Il tempo storico che emerge da questo tentativo non vive la dialettica oppositiva su cui è stata costruita la storiografia moderna, ma prova invece ad amalgamare le parti in maniera empirica per evidenziare più il desiderio di continuità che gli accenti di discontinuità. La storia, lungi da diventare uno spirito, è un abito. Riportarla nell'alveo della sua effettiva portata significa scaricare il fruitore da ambizioni e tensioni che non gli appartengono e che possono per nostro conto fermarsi lì. 

Luca Bertolo, Et in Arcadia ego, 2007-2009 
Le cose che vengono da sole sono sempre le migliori. Per dipingere Luca Bertolo usa come tanti suoi colleghi dei piattini di plastica come tavolozza. Alla fine della giornata lascia la tavolozza a terra ad asciugare in compagnia delle altre usate precedentemente. Il giorno dopo, quando si rimette al lavoro, prende la tavolozza asciutta e la riusa. Giorno dopo giorno le tavolozze incominciano ad assumere un proprio corpo visivo. Quando il paesaggio all'arbitrio dell'artista è composto, allora definitivamente si staccano dalla loro funzione e diventano un'opera d'arte. Et in Arcadia ego è un giunto fra i diversi elementi del mestiere del pittore. I piccoli piattini di plastica raccordano, come tutta la pittura di Luca Bertolo, la materia viva con la materia concettuale. Carichi di memorie e di presente, i paesaggi spariscono nella cortocircuitazione fra visione e concetto, in essa piacere ed imbarazzo coabitano: ciò che sembrano dire è che il re è nudo e balla con noi. 

Roberto De Pol, Water, rubbish bin, electrical cables, joints, gutters, metal sheet, wood, adhesive tape, plastic, electrical pumps, timer, rubber tubes, tubes, screws, 2010 
Giuseppe Canella, Plenilunio, 1840 
Le opere di Roberto De Pol si presentano formalmente come assemblaggi di materiali prelevati dalla quotidianità, spesso attivati da sistemi meccanici rudimentali, e che, nel lavoro di ricomposizione attuato dall’artista, assumono forme ambigue, a cavallo tra struttura architettonica, oggetto scultoreo, macchina “inutile”. La poetica che le sottende è spesso legata ai concetti di precarietà, di interferenza, di modificazione della percezione degli spazi nei quali i lavori vengono collocati, attraverso le stimolazioni fisiche, sonore, percettive che i loro “movimenti contraddittori” sono in grado di rilanciare allo spettatore. Nella mostra Il/Nauturale, una struttura che ricrea artificialmente lo scorrere della pioggia sopra una grondaia diviene il punto di osservazione privilegiato dal quale ammirare un paesaggio del vedutista ottocentesco Giuseppe Canella, della collezione della Pinacoteca del Museo di Riva del Garda. Si attiva in tal modo, nell’inquieta circolarità che si va creando tra percezione fisica e visione, una sorta di processo di riconoscimento e di lettura di un “senso del naturale” che pervade i due lavori, benché secondo dinamiche formali apparentemente distanti, se non inconciliabili. Si tratta dunque di un dialogo aperto che rilancia la riflessione sui rapporti tra oggetto tridimensionale e superficie dipinta, sulla “qualità” di quello spazio che lo spettatore viene chiamato a percorrere, in equilibrio tra il carattere artificiale della pioggia che scorre sulla lamiera e la sensibile illusione dell’immagine pittorica, come quella dipinta dal Canella, “reale visione” di nubi e umidità, trasparenze atmosferiche e sfumature tonali. 

Lorenzo Casali e Micol Roubini, Atlante Silvestre, 2012 
Umberto Moggioli, La valle dell'Adige, 1916 
Altlante Silvestre è la storia di una montagna. Il video girato nel 2012 racconta le diverse vicende che in alcuni giorni d'estate attraversano un'area montana della Val Camonica. La narrazione avviene per sovrapposizioni di immagini in movimento che passo dopo passo organizzano un unico sguardo. Ciò che emerge è una pittura contemporanea che ha la grandezza rieducativa della grande immagine. Inquadrature, ritmo, suono e sviluppo narrativo compongono un affresco in cui l'occhio del fruitore è chiamato a rivedere il rapporto quotidiano che intrattiene con l'immagine. Ciò dona al progetto video una forza ontologica, la stessa a cui continuamente richiama negli accoppiamenti narrativi: la teleferica che sorvola la montagna, la riattivazione del ciclo ittico, l'erba che muove l'inquadratura, il salto dell'operaio sul fiume. Tutto disegna una «misura d'uomo» internaturale che procede per quotidianità ed adattamenti. 

Atlante Silvestre di Lorenzo Casali e Micol Roubini condivide lo spazio con un'altra delle opere in mostra. Si tratta della veduta della valle dell'Adige che Umberto Moggioli dipinge nel 1916. Il quadro si inserisce nel periodo post veneziano che aveva visto Umberto Moggioli particolarmente influenzato dal grande respiro coloristico dei maestri per eccellenza della Laguna: Tintoretto, Tiziano, Tiepolo. Tornato da Venezia, dopo una esperienza da cartografo durante la guerra, si dedicata a raffigurare i paesaggi delle zone del Garda. Ne escono dei capolavori moderni in cui il paesaggio è assoluto protagonista di una visione contemplativa in cui la natura è presenza insuperabile. 

Giovanni Ozzola, Stellar fireworks, 2013 
Peter Anich e Blasius Hueber, Atlas tyrolensis, 1774 
Sono spesso le proteiformi manifestazioni della natura, del cielo e dei suoi rapporti con la terra a costituire il soggetto dei lavori di Giovanni Ozzola (Firenze,1982). 
Sia la mappa (Atlas tyrolensis) che la nebulosa (Stellar fireworks) rappresentano possibili punti di orientamento. L'Atlas può essere osservato per imbattersi nella sorpresa, ma nasce principalmente come strumento di controllo ed esito di una verifica. Nella nebulosa (intesa come parte di una costellazione) è piuttosto il rapporto simbolico che essa intrattiene con il tempo, con la creazione, con i cicli di nascita e morte a connotare lo sguardo dell'artista, che la chiama «fuoco d'artificio stellare». La tensione tra arte e scienza è mostrata sia in questo lavoro (la nebulosa è effettivamente esistente) che nel dialogo con l'Atlas tyrolensis, realizzato non da artisti, ma da cartografi, che oggi però, è conservato in un museo di arte. Sono inoltre due attitudini storiche a confrontarsi: da una parte la ricerca di certezze e l'assertività delle risposte, dall'altra lo sguardo aperto, incerto e speculativo come meta stessa. 

Progetto Off-site. Riva del Garda | Museo 
Luca Coser. È sempre un'altra storia, 2013 
Offsite è un progetto sviluppato in parallelo alla mostra Il/Naturale con la volontà di instaurare una connessione, fisica e contenutistica, tra le due sedi espositive del MAG (Galleria Civica G. Segantini di Arco, dove ha luogo la mostra, e Museo di Riva del Garda, in particolare la sua Pinacoteca). 

In relazione all’inserimento nella mostra di Arco di un’opera della Pinacoteca di Riva, Plenilunio di Giuseppe Canella, e quindi alla sua temporanea assenza dalla parete della Pinacoteca stessa, è stato chiesto a un artista contemporaneo di “reinventare” questo spazio rimasto vuoto. Nell’ottica di lavorare ad un progetto site-specific anomalo, per la necessità di collegare due contesti spazialmente distanti, ma funzionalmente e culturalmente affini, l’artista Luca Coser ha proposto di proiettare, nello spazio lasciato vuoto dall’opera ottocentesca, una proiezione video che si presenta come una sorta di “finestra”, sospesa tra lo spazio reale del museo e lo spazio virtuale dell’immagine in essa riprodotta. È sempre un'altra storia, questo il titolo del video, nasce da un'idea semplice e complessa al tempo stesso. In questo caso l'idea è quella di "rimettere mano" alle tracce che l'immaginario fotografico gardesano ha sedimentato nel tempo, e quindi "cambiare" simbolicamente il corso della storia. In maniera minima, persino delicata, poetica. 
L'artista non cerca lo strappo, si accontenta di variazioni minime, e infatti si concentra su vecchie vedute in bianco e nero del lago, spesso sui suoi limitati orizzonti, sui quali esercita minime interferenze mettendo con disarmante semplicità il bianco dove prima si trovava il nero, il nero dove prima si trovava il bianco. Coser sembra in tal senso mettere in atto una "riscrittura" della storia, tanto poetica quanto radicale, riattualizzando la figura dell'artista inteso come demiurgo, un corpo fisico e immaginativo alla ricerca dell'impossibile, inconsapevole di quella che sarà la fine del viaggio, intento a spingersi in territori inesplorati, non tanto perché sconosciuti quanto perché costantemente reinventati dalla sua mano e dalla sua mente. 

Der Blitz. Tutto il vento che c’è 
12 ottobre - 1 dicembre 2013 

Rappresentare un elemento inafferrabile come il vento: questo è l'obiettivo dell'artista Alessandro Piangiamore, che per il secondo progetto di Der Blitz propone un lavoro che verrà sviluppato nel corso di una residenza estiva nella zona dell'Alto Garda e presentato a ottobre con una mostra. 
Tutto il vento che c'è è una tappa di un progetto più ampio che l'artista porta avanti in tutto il mondo per indagare e rappresentare i principali venti del pianeta: si tratta del risultato di un'operazione concettuale iniziata dall'artista nel 2008 con una schedatura di tutti i venti che spirano nel pianeta, redatta con una paziente indagine svolta incrociando fonti sia scientifiche sia della tradizione folcloristica. 
L'obbiettivo principale consiste nel realizzare una sorta di ritratto per ogni vento che soffia, attraverso delle sculture prodotte di volta in volta con la terra dei luoghi specifici ed esposte poi al relativo vento. Ciò che determina lo “status” di ritratto di queste sculture è rappresentato non tanto da quello che ne rimane, quanto più da ciò che da esse sparisce. Il risultato finale è ogni volta imprevedibile ed irripetibile. In questo progetto, come nel resto della produzione di Piangiamore, emerge la ricerca di immagine archetipica, attraverso l'uso in questo caso di una materia concreta come la terra e un'altra assolutamente effimera qual è il vento. 
Nel periodo della mostra verrà attivato un ciclo di incontri e conferenze volto ad approfondire le tematiche indagate a livello artistico.